[海平面]設計師要了解有影響力的15個藝術&設計運動
在過去的幾個世紀裡，已經有數百種不同規模和意義的藝術和設計運動，讓我們回顧提升一下對藝術和設計史上這些主要時期的知識。
讓我們回顧提升一下對藝術和設計史上這些主要時期的知識。
作為一個設計師，靈感可以來自任何地方。有時影響、態勢和方法匯聚在一起，形成一個連貫的藝術運動，在世界各地產生連鎖反應。
在過去的幾個世紀裡，已經有數百種不同規模和意義的藝術和設計運動——一些集中在一個特定地方的特定藝術家群體的風格或方法上，另一些跨越了許多創作學科，被詮釋得更加系統化。
不管它們發生在150年前還是30年前，今天仍然可以感受到它們的影響力——你甚至可能在不知情的情況下感受到它們的影響力。這些東西經常會迴圈往復的，尤其是當代復古美學的潮流。所以，掌握一點藝術史的知識，對開拓思路，獲得設計靈感，是很有用的。
請繼續閱讀我們對20世紀最具影響力的15個藝術和設計運動的綜合指南。
20世紀初的藝術和設計運動
01.印象派和後印象派(Impressionism and Post-Impressionism) 
《冬天的效果》(1882)，展示了克勞德·莫奈(Claude Monet)捕捉光線和色彩的天賦。
印象派是19世紀末在法國興起的一種美術運動，少數畫家摒棄了當時傳統的強調歷史或神話題材的畫風，而傾向於描繪視覺現實，尤其是光、色彩和紋理的瞬時性效果。
七名畫家是這場影響深遠的運動的核心：克勞德·莫奈(Claude Monet)、皮埃爾·奧古斯特·雷諾阿(Pierre Auguste Renoir)、卡米爾·皮薩羅(Camille Pissarro)、阿爾弗雷德·西斯利(Alfred Sisley)、貝特·莫里索(Berthe Morisot)、阿曼德·吉勞明(Armand Guillaumin)和弗雷德裡克·巴澤爾(FrédéricBazille)——他們一起工作和辦展覽。
印象派畫家放棄了傳統的柔和的綠色、棕色和灰色調，選擇了更明亮、更具表現力的色彩，試圖描繪出斑駁的陽光和水面反射等效果。
他們沒有將灰色和黑色用作陰影，而是使用了一系列互補的顏色——物體用少量的顏料描繪，輪廓感不強。
後印象派風格的象徵：保羅·塞尚的靜物畫《水罐與水果》(1894)。
後印象派接受了其前身運動的許多原則，同時也摒棄了其侷限性。保羅·塞尚(Paul Cezanne)、喬治·修拉(Georges Seurat)、保羅·高更(Paul Gauguin)、文森特·梵高(Vincent van Gogh)和亨利·德·圖盧茲-羅特列克(Henri de Toulouse-Lautrec)等畫家也使用了同樣純淨、亮麗的配色，以及富於表現力的短筆觸，但他們也試圖將作品提升到不那麼短暫和實驗性的高度。
比起不斷變化的自然光及其對色彩的影響，塞尚和其他後印象派畫家更關注固體的、永久性的物體，他們的靜物畫——比如塞尚的《水罐與水果》和梵高的《向日葵》——象徵著這一運動。
02.工藝美術運動(Art and Crafts) 
英國工藝美術運動奠基人威廉·莫里斯（William Morris）著名的《草莓小偷》桌布作品，是藝術和工藝美學的完美典範。
作為對工業革命期間大規模生產興起（以及相應的手工技藝衰落）的一種反應，19世紀下半葉，歐洲各地對裝飾藝術的興趣重新燃起——也就是廣為人知的工藝美術運動。
這場新運動的先驅是改革家、詩人兼設計師威廉·莫里斯(William Morris)，他在19世紀60年代成立了一個合作團體，試圖喚醒中世紀手工製作的品質。他們生產漂亮的金屬製品、珠寶、牆紙、紡織品和書籍。
到了1875年，這個集體被稱為莫里斯公司，到了19世紀80年代，他們實踐的態度和技術啟發了新一代的設計師，工藝美術運動由此誕生。
儘管許多人批評這種複雜的手工藝在現代工業化世界的實用性問題，但這種運動的影響一直持續到今天。
03.新藝術運動(Art Nouveau) 
格拉斯哥一位藝術愛好者的住宅細節，由Charles Rennie Mackintosh於1901年設計，但確在20世紀90年代建造。
繼工藝美術運動之後，新藝術運動主要是歐美的裝飾運動。該風格的一個顯著特徵是使用有組織、不對稱的線條，而不是實體的、均勻的形狀——應用於建築、室內、珠寶以及海報和插圖上。
在錯綜複雜的鐵製品、彩色玻璃、陶瓷和裝飾性磚這些載體上得以體現，自由形狀的線條優先於設計中的任何圖案元素，這些形狀往往靈感來自大自然中發現的精緻形狀，如花莖、藤蔓、攀緣植物、卷鬚和昆蟲翅膀。
蘇格蘭建築師兼設計師查爾斯·雷尼·麥金託什(Charles Rennie Mackintosh)是新藝術運動的領軍人物，此外還有捷克平面藝術家阿爾方斯·穆哈(Alphonse Mucha)，以及西班牙標誌性建築師和雕塑家安東尼奧·高迪(Antonio Gaudí)。
阿爾方斯·穆哈(Alphonse Mucha)的引人注目的新藝術作品。
穆哈(Alphonse Mucha)令人驚歎的藝術作品，其中許多是為廣告客戶的商業委託創作的，其作品將流動的有組織的線條和新藝術風格的自然主題與性感的女性肖像相結合。
雖然裝飾風格在1910年後不再流行，但由於倫敦、巴黎和紐約的一系列重要展覽，它在20世紀60年代再次興起，這些展覽回顧性地提升了一種曾經被視為時尚潮流的風格。影響了時尚、音樂、設計和廣告的國際運動。
04.立體主義(Cubism) 
帕布羅·畢加索(Pablo Picasso)1907年的作品《阿維尼翁的少女》(Les Demoiselles d’avignon)，可以說是立體主義最著名的例子。
有兩位藝術家在創立立體派運動方面發揮了重要作用：巴勃羅·畢加索(Pablo Picasso)和喬治·布拉克(Georges Braque)。與印象派和後印象派試圖捕捉自然條件的富有表現力的嘗試不同，立體主義是關於平面、二維、扭曲的物體——犧牲準確的視角，來支援超現實主義的碎片化。
立體主義這個名字來自藝術評論家路易斯·沃克塞爾斯(Louis Vauxcelles)的貶低性評論，他將布拉克1908年在L'Estaque的作品稱為“由立方體組成的”。但在此前一年畢加索的創作的《阿維尼翁的少女》(Les Demoiselles d’avignon)推動了這一程序，畫中將五個女性裸體描繪成斷裂的、稜角分明的形狀。
隨著布拉克和畢加索繼續探索如何用抽象的形狀來定義熟悉的物體，1910-1912年這段時期通常被稱為分析立體主義。當時盛行一種獨特的色調，有棕褐色、棕色、灰色、奶油色、綠色和藍色，常見的主題包括樂器、瓶子、報紙和人體。
1912年後，這種藝術演變為合成立體主義，在色彩日益豐富的藝術作品中融合了多種形狀，運用拼貼技術探索紋理效果。布拉克和畢加索定義的這種視覺語言，後來被許多其他畫家所接受，也影響了雕塑家和建築師，如勒柯布西耶(Le Corbusier)。
05.未來主義(Futurism) 
翁貝託·波西奧尼(Umberto Boccioni)的《笑》(the Laugh,1911)描繪了觀察現代生活所產生的感受，被廣泛認為是他第一部真正的未來主義作品。
未來主義於20世紀初創立於義大利，試圖通過極具表現力的藝術作品捕捉現代生活的節奏、活力和躁動，最終美化了戰爭、法西斯主義和機器時代。這種美學風格後來傳遍歐洲，尤其是傳入俄羅斯。
該運動於1909年正式宣佈，當時巴黎《費加羅報》發表了義大利詩人菲利波·托馬索·馬裡內蒂的宣言，他創造了這一術語來描述他的作品是如何慶祝社會進步和文化創新的。
汽車等尖端技術被視為重要，而傳統價值觀——以及博物館和圖書館這樣的歷史機構——則遭到強烈批判。
《空中轟炸門託》(Bombardamento Aereo)，作者是圖裡奧·克拉利(Tullio Crali)(1932年)，是一部晚期的未來主義作品，頌揚了空戰的速度和力學。
未來主義的兩個主要支持者翁貝託·博喬尼(Umberto Boccioni)和安東尼奧·聖埃利亞(Antonio Sant’elia)在1916年的戰鬥中喪生。然而，隨著摩天大樓式的機械化城市的願景得以實現，這種美學將繼續在現代建築中得到體現，而圖裡奧·克拉利(Tullio Crali)等藝術家將這種風格延續到了上世紀30年代。
20世紀中期的藝術和設計運動
06.建構主義(Constructivism) 
亞歷山大·羅申科(Alexander Rodchenko)獨特的平面設計風格為許多俄羅斯宣傳海報增光添彩。
建構主義受到立體主義和未來主義的強烈影響，是由蘇聯畫家和建築師弗拉基米爾·塔特林(Vladimir Tatlin)發起的藝術和建築運動，他於1920年與雕塑家安託萬·佩夫斯納(Antoine Pevsner)和納姆·加博(Naum Gabo)共同撰寫了所謂的“現實主義宣言”。
與未來主義相似，建構主義崇尚技術進步和工業進步，其激進的美學將功能置於形式之上。正如它的名字所暗示的那樣，美學實際上是用一組部件（如機器）“構造”藝術。其鮮明的風格被廣泛用於蘇聯的宣傳海報。
《用紅楔擊敗白人》(1919)是El Lissitzky的宣傳海報，描繪了紅色布林什維克在俄羅斯內戰中擊敗白人運動。
建構主義的領軍人物包括平面設計師、攝影師和雕塑家亞歷山大·羅申科(Alexander Rodchenko)和藝術家、設計師和建築師埃爾·利西茨基(El Lissitzky)。當塔特林和羅申科還在蘇聯的時候，加博(Gabo)和佩夫斯納(Pevsne)將建構主義美學傳播到了德國、法國、後來的英國和美國。
與此同時，利西茨基影響了總部位於柏林的“德斯蒂吉爾運動”(de Stijl movement)的藝術家和建築師，以及包豪斯建築學院(Bauhaus)教授、匈牙利畫家兼攝影師拉斯洛·莫赫裡·納吉(László Moholy-Nagy)。
07.包豪斯(Bauhaus) 
赫伯特·拜耳(Herbert Bayer)的海報簡潔地總結了“包豪斯風格”的簡單形狀和原色。
由建築師沃爾特·格羅皮烏斯(Walter Gropius)創立的包豪斯設計、建築和應用藝術學院影響力巨大，於1919年至1933年在德國開辦，當時被納粹政權關閉。
這所學校試圖在藝術和工藝之間架起一座橋樑——這與工藝美術運動的目標是一致的，儘管包豪斯更喜歡現代大規模生產，而不是個體的手工方法。
學生們參加了為期6個月的預備課程，導師包括約翰內斯·伊滕(Johannes Itten)、萊昂內爾·費寧格(Lyonel Feininger)、約瑟夫·阿爾伯斯(Josef Albers)、赫伯特·拜爾(Herbert Bayer)和拉茲洛·莫赫裡-納吉(Laszlo moley - nagy)，他們接受了從木工、金屬加工到紡織品、圖形和版式等各種工藝和理論的嚴格教育。
雖然最終的作品非常多樣化，但包豪斯建築的主要風格是簡單、優雅的幾何形狀，結合大膽的原色——這種美學在學校關閉後很長一段時間內，就在平面設計、產品和建築廣泛應用。
08.裝飾藝術(Art Deco) 
這些引人注目的倫敦地鐵海報由平面藝術家愛德華·麥克奈特·考弗(Edward McKnight Kauffer)設計，體現了裝飾藝術美學的許多特點。
裝飾派藝術是橫跨西歐和美國的一場重要的國際運動，它的許多靈感來自新藝術，以及包豪斯和立體派的元素。它起源於巴黎，1925年的國際裝飾藝術與工業博覽會給它起了名字。
裝飾派藝術設計的主要特點是風格化、優雅和精緻，通過簡單的流線型外形表現出來；風格化的、通常是幾何裝飾並精心使用昂貴的材料，包括天然和合成材料。
裝飾藝術涵蓋了建築、傢俱、時尚、雕塑等多個領域，體現了20世紀30年代的頹廢精神——洛克菲勒中心、克萊斯勒大廈和帝國大廈都是按照這種風格設計的。
雖然裝飾藝術在二戰期間有些過時，但從20世紀60年代末開始復甦，並且至今仍在繼續為裝飾藝術、時尚和珠寶行業帶來靈感。
09.超現實主義(Surrealism) 
薩爾瓦多·達利(SalvadorDalí)的開創性作品《記憶的永續性》(1931)是超現實主義的代表作。
與裝飾藝術一樣，超現實主義在兩次世界大戰之間的過渡時期蓬勃發展。它起源於20世紀初的“反藝術”達達運動，但它帶來了一種積極得多的創造性表達，取代了達達主義荒謬、諷刺意味的氛圍——對戰爭的恐怖和徒勞的消極反應。
在1924年，詩人兼評論家安德烈·布雷頓(Andre Breton)的超現實主義宣言中，他認為超現實主義是關於有意識和無意識經驗的重新結合；彌合夢幻世界和理性現實之間的鴻溝。
領先的超現實主義畫家包括：瓊(Jean Arp)、馬克斯·恩斯特(Max Ernst)、安德烈·馬森雷(AndréMasson)、尼·馬格利特(RenéMagritte)、伊夫(Yves Tanguy)、薩爾瓦多·達利(SalvadorDalí)、皮埃爾·羅伊(Pierre Roy)、保羅(DelvauxPaul)和JoanMiró——所有人都對這一運動有著獨特的個人風格，以及藝術如何表達有時怪異、有時深感不安的潛意識的深處的東西。
與當代立體派藝術相對僵化的視覺語言不同，超現實主義藝術更加自由，強調象徵性和內容，而不是外形。
10.抽象表現主義(Abstract Expressionism) 
美國藝術家傑克遜·波洛克(Jackson Pollock)是抽象表現主義運動的核心人物之一。
從20世紀40年代開始，抽象表現主義運動推動了現代藝術的發展，正如我們在接下來的十年中所知道的那樣。紐約是藝術中心，傑克遜·波洛克(Jackson Pollock)、威廉·德·庫寧(Willem de Kooning)、弗蘭茲·克萊恩(Franz Kline)和馬克·羅斯科(Mark Rothko)等著名藝術家引領了潮流。
抽象表現主義藝術家經常在巨大的畫布上塗滿充滿活力的顏料，這些顏料能喚起從暴力到感性的一切事物，以及其間的一切事物，這些抽象表現主義藝術家受到了各種先鋒派藝術家的影響，他們於20世紀30年代末至40年代初來到美國，逃離了納粹佔領的歐洲。
與波洛克混亂、充滿活力的風格形成鮮明對比的是，馬克·羅斯科(Mark Rothko)的作品——如《紫色上的白雲》(1957)——更冷靜、更有條理，但表現力卻絲毫不遜色。
抽象表現主義不同於它的前輩表現主義和後表現主義，它沒有試圖以任何程度的寫實主義來描繪可觀察的世界，而是傳達一種情感的反應。雖然這一藝術運動作品具有的自由自發，完全抽象的本質是它們共同的因素，然而該運動融合了廣泛的風格和技巧。
傑克遜·波洛克(Jackson Pollock)展示的一種變型被稱為動作畫派，它特別鬆散而富有動感，其特徵是筆觸有力、線條流暢，或者部分是隨意濺出或滴下粘性顏料。而另馬克·羅斯科(Mark Rothko)等畫家使用更薄的顏料混合物，創作出了邊距線條模糊的帶顏色的扁平矩形。
20世紀後期的藝術和設計運動
11.瑞士國際主義風格(The International Typographic Style) 
約瑟夫·穆勒·布羅克曼(Josef Muller Brockmann)設計的這些簡潔、精美的海報，體現了現代主義的精髓。
儘管最廣義的現代主義囊括了榜單上許多突破傳統藝術表達邊界的前衛運動，但現代主義藝術和文學的巔峰出現在第一次和第二次世界大戰之間。
繼二戰(1945)之後，瑞士和德國的平面設計師發開啟了一種有凝聚力、統一的現代主義運動，被稱為瑞士國際主義風格。基於包豪斯的理性方法，這一運動——仍然被許多平面設計師所接受——是關於功能性和普遍性的。
邏輯的、模組化的網格系統提供了一個結構化的框架來對齊不同的元素，這是現在被認為是最基本的圖形設計形式。與更具表現力的插圖相比，攝影的無偏倚、圖形準確性更受青睞，此外還有中性的無襯線字型，如Helvetica。
約瑟夫·穆勒·布羅克曼(Josef Muller Brockmann)是其中的一位領軍人物，他設計的海報、出版物和廣告，幫助定義了瑞士的設計美學——尤其是通過他的一系列蘇黎世音樂會海報，這些海報結合了幾何形狀、大膽的色彩和乾淨的無襯線字型。
隨著20世紀的發展，許多跨國公司採用了瑞士國際主義風格的簡潔統一，為商標、顏色和字型建立了品牌視覺指南，確保在所有媒體上得以一致地應用。
12.波普藝術(Pop Art) 
流行藝術運動最受喜愛的標誌之一，是安迪·沃霍爾(Andy Warhol)的瑪麗蓮·夢露(Marilyn Monroe)標誌性版畫。
主要是英國和美國的文化現象，在20世紀50年代末和60年代引起關注，波普藝術被藝術評論家勞倫斯·阿萊塞(Lawrence Alloway)命名，因為它的流行文化普遍性高，通常應用在不起眼的標誌性物品——如湯罐頭、路標和漢堡包。
它的靈感的來源於從電視到漫畫書再到廣告，摒棄了“高雅藝術”的自命不凡，也摒棄了抽象表現主義富於表現力的主觀本質，轉而青睞大膽的平面版畫。
儘管許多當代藝術評論家嘲笑波普藝術粗俗、煽情，但波普藝術包容性、親民性和民主性的本質卻受到了其他人的讚揚——它還受到了上世紀20年代“達達運動”(Dada movement)的一定影響。在第一次世界大戰之後，“達達運動”也對歐洲高階藝術進行了嘲諷。
羅伊·利希滕斯坦(Roy Lichtenstein)利用商業印刷中的彩色園色點和平底色調，對連環畫進行了風格化的描繪，這是另一種流行藝術的主題。
羅伊·利希滕斯坦(Roy Lichtenstein)對漫畫書場景的印刷複製品，是波普藝術美學的一個特別引人注目的例子，安迪·沃霍爾(Andy Warhol)對從肥皂盒到名人的各種物品的重複絲網版畫，也是如此。
與大衛·霍克尼(David Hockney)和彼得·布萊克(Peter Blake)等英國波普藝術同行相比，這些美國藝術家的作品風格鮮明、生動，他們對大西洋彼岸的波普文化採取了更為主觀，近乎浪漫的看法。
13.極簡主義(Minimalism) 
弗蘭克·斯特拉(Frank Stella)的《哈蘭二世》(Harran II, 1967年)是線條、形狀和色彩之間令人著迷的視覺互動。
極簡主義以極簡的形式和非常真實、客觀的方式為特徵，它起源於20世紀60年代末的紐約，其原因是對抽象表現主義中動作繪畫自發的、混亂的主觀性的不滿所驅動。
對於極簡主義者來說，這種風格太過空洞和個人化——他們認為藝術應該是乾淨和獨立的，沒有外部參考。硬邊、簡單的形狀和乾淨的線條主導了二維平面藝術作品。
抽象表現主義對這一運動仍有一定影響，但主要是受馬克·羅斯科(Mark Rothko)、巴尼特·紐曼(Barnett Newman)和萊因哈特(Ad Reinhardt)等畫家更為冷靜、更有組織、更有條理的色彩領域作品的影響。
埃爾斯沃斯·凱利(Ellsworth Kelly)的第一個完全抽象的浮雕作品《地中海》(Mediterranee,1952年)由九個彩色正方形組成的網格組成。
最終，極簡主義是關於探索一種藝術形式的基本元素，剝離無關的細節和情感表達，支援客觀、純粹的視覺元素，這些元素可以被解釋。
從最廣泛的意義上說，極簡主義在品牌、UI設計和包裝等領域獲得了顯著地復興，這在很大程度上要歸功於蘋果(Apple)和谷歌等有影響力的全球公司，它們將簡潔的美學置於裝飾之上。
14.後現代主義(Postmodernism) 
這張由April Greiman和Jayme Odgers為WET雜誌(1979)設計的封面，體現了後現代主義美學。
現代主義推崇社會進步和烏托邦的理想主義追求。無論是宗教上的還是科學上的，它都是關於普遍原則如何理解世界，現代主義藝術家更注重形狀、技術和過程，而不是作品的主題。
後現代主義是對這種態度的一種反抗。取代理想主義和理性的是懷疑主義，懷疑和對可以描述我們周圍世界的普遍真理的否認。後現代主義藝術家提倡複雜的個人體驗和闡釋，而不是簡單明瞭的抽象原則，由此產生的審美是多層次的，往往是矛盾的。
到了20世紀70年代末，許多在現代主義傳統下工作的設計師覺得它已經失去了創新精神，變得陳腐和學術化。他們質疑國際印刷風格中死板的“形式遵循功能”的理念，他們受到啟發，打破規則，打破網格，挑戰期望，引入裝飾性、顛覆性，有時古怪的設計元素。
April Greiman是一位特別受歡迎的後現代主義設計師，經常與攝影師Jayme Odgers合作，進行色彩繽紛的蒙版和創新的排版實驗。例如，他們在wet雜誌封面，用有紋理的紙張和噴繪過的顏色拼貼彩色影印本。
威廉·朗豪澤(William Longhauser)在1983年的海報中，將建築師邁克爾·格雷夫斯(Michael Graves)的名字做成後現代派風格。
這種風格的另一個主要倡導者是威廉·朗豪澤爾(William Longhauser)，他使用動態幾何圖案建立了有風格的排印佈局。在1983年的一張特別海報中，他用幾何形狀建造了後現代主義建築師邁克爾·格雷夫斯(Michael Graves)的姓氏，這些幾何形狀暗示了格雷夫斯建築中發現的形狀、圖案和紋理。
自上世紀90年代末以來，後現代主義在某種程度上已經過時，儘管顛覆性的“反設計”美學在某些領域確實受到歡迎，比如音樂和獨立出版。然而，儘管有各種各樣的嘗試來定義這一時期——包括後後現代主義、跨後現代主義、後千禧年主義、偽現代主義和元現代主義——但都沒有得到主流的認同。
15.孟菲斯(Memphis) 
孟斐斯集團在20世紀80年代設計的一組傢俱和物件。
孟菲斯的設計美學借鑑了許多後現代主義的原則，挑戰了此前中性、樸素、實用的現代主義。孟菲斯集團(Memphis Group)主營傢俱設計，由義大利設計師埃託雷·索特薩斯(Ettore Sottsass)於上世紀80年代創立，僅僅經營了6年。
色彩繽紛豔麗的傢俱是這場運動的核心，但這種美學影響了後來的時尚、平面設計等等。簡單的幾何形狀，平面顏色組合在醒目的、對比性調色盤上，帶有黑白條紋和抽象波浪線的風格化圖案——這些都是孟菲斯風格設計的成分，它受到波普藝術和裝飾藝術等早期運動的影響。
這裡列出的有些運動在其鼎盛時期都享有相當長的生命力，並在許多不同領域影響了數以百萬計的創意人士。隨著新的態勢和方法站穩腳跟，許多運動引發了新的運動，或相互補充，或相互矛盾。
孟菲斯是最典型例子之一：30年前，少數義大利設計師創造了一系列怪異、媚俗的產品，如今，他們正在影響著新一代的設計師。